On reprend la critique de ce replay de Taratata.

Je n’ai pas parlé du chanteur avec Gaëtan Roussel à la fin du dernier billet, mais c’est un peu intéressant. Il s’appelle Édouard Bielle, et même s’il n’a pas connu du grand succès à ce point, Le Point le décrit comme « le chanteur qui fait aimer les années 1970 à la génération TikTok ». Intrigant.

Directement après, à 1h02:00 car vous allez vouloir le regarder, il y avait un autre de ces moments uniquement Taratata et Nagui. Cette fois, Julien Clerc est revenu sur scène avec Thomas Dutronc pour « Fais-moi une place », ce que M. Clerc avait écrit pour Françoise Hardy en 1989. S’il y avait un œil sec dans l’arène après ça, cette personne devait porter des boules Quies.

Les deux ont continué avec une chanson de Julien Clerc de 1984, « Mélissa ». Les paroles sont plus qu’un peu coquines, avec le refrain « Dites jamais que je vous ai dit ça ou Mélissa me tue ».

Après ces deux, deux chanteuses, Camille et Marguerite, sont venues sur scène pour « Karma Chameleon », tube britannique de 1983. Je crois que Camille Dalmais est la bonne Camille, mais je ne suis jamais sûr avec ces mononymes. Marguerite, malheureusement je la reconnaissais car « Je préfère les filles », c’était partout l’année dernière. Maintenant, il y a une pub à la radio que utilise évidemment cette chanson, mais c’est quelque chose comme « Je préfère le Maf ». Je n’ai jamais réussi à le trouver avec Google. C’est un nom d’entreprise aussi chiant que U — faut avoir plus de lettres !

Pour ce que ça vaut, Camille est presque aussi douée en anglais que Jeanne Added. Marguerite n’était pas à son niveau avec les voyelles, mais ses « r » sont bons.

Axel Bauer, qui m’a vraiment impressionné pour les 30 Ans de Taratata, est venu pour jouer son tube « Cargo », rejoint par une actrice tunisienne, Nawel ben Kraïem. Elle a apporté un aspect très Moyen-Orient à la chanson. Écoutez-les à partir de 1h12:55.

Ils ont été suivis par Alain Chamfort, accompagné par un DJ nommé Bob Sinclar (certainement un hommage au Magnifique de Belmondo), et un plus jeune chanteur, Voyou, pour son tube Manureva. Mon avis qu’Alain Chamfort n’a plus de voix pour ce genre de représentation n’a pas changé.

Je ne connais pas Pierre de Maere ; Mentissa, je n’en ai pas entendu parler depuis 2023. « Voyage Voyage » était assez bien dans leurs mains, mais je ne peux pas entendre cette chanson sans penser que Desireless était la sœur jumelle du personnage Guile de Street Fighter II.

Je ne connais pas Bertrand Belin, mais c’est une rare erreur de la part de Nagui de le mettre aux côtés de Jeanne Added pour « Sweet Dreams » des Eurythmics. Jeanne Added est pleinement capable de faire toute Annie Lennox toute seule et M. Belin a fait une grosse erreur dans la toute première phrase.

On ne pouvait pas s’échapper complètement au rap, mais Féfé, Tété et, euh. Neg’Marrons ne m’ont pas donné envie de revisiter « Pass the Dutchie », une ode à la marijuana.

Ils ont continué avec « Red, Red Wine » de UB40, une meilleure chanson, et ça, c’est bien allé. Même chose pour « Could You be Loved » de Bob Marley. « Reggae Night » était inconnue pour moi, mais c’était aussi trop de ce genre de musique.

Je ne connais pas la chanteuse belge qui se surnomme « Selah Sue », mais choisir de s’appeler « Sue », le surnom pour « Susan », exprès, c’est dégueulasse. Surtout venant d’un pays paradisiaque comme la Belgique, qui n’a connu que 5 naissances de nommées Susan dans son histoire. Pourquoi ferait-on un si mauvais choix ? ([Il essaie de vous dire quelque chose sans le dire, tout le monde. Veuillez lire entre les lignes. — M. Descarottes]) Ô, euh, elle a chanté du Michael Jackson, assez bien.

Je ne connais pas du tout l’actrice Béatrice Dalle, mais en duo avec Paul Personne pour « Vertige de l’amour », elle était merveilleuse. Cherchez-la à 1h49:30.

Veuillez sauter la représentation de « 3e sexe » par Hoshi, The Odds et Mademoiselle K. C’était horrible. Le chanteur de The Odds, Tarka, n’a aucune place proche d’un micro.

Mais Nagui est le meilleur producteur de télévision qui existe, alors la finale valait la peine. Pour la toute première fois sur Taratata, c’était le groupe Europe avec d’abord son nouveau tube « The Cult of Ignorance » — et pour finir, l’un des plus grands tubes de tous les temps, aussi par Europe, « The Final Countdown ». Je ne sais pas comment Nagui le fait, mais il n’y a pas de telle chose que quitter Taratata déçu. Il est le maître.

Je suis en train de regarder le Taratata du week-end, mais vu que ça fait plus de deux heures, je le fais en deux fois. Pas comme les 30 Ans, je ne vais pas faire un grand projet de rechercher tous les artistes. Pour une chose, le niveau est plus bas. Autre chose… on en parlera. Mais il y avait quand même des pépites intéressantes.

Comme toujours, notre hôte est Nagui, qui j’admire de plus en plus car l’âge ne semble le retarder même pas un peu.

L’émission a commencé avec Zazie, la toute première personne à apparaître dans le Projet 30 Ans de Taratata. Avec un type inconnu pour moi, Sam Sauvage, elle a chanté « Chacun fait c’qui lui plaît ». Je connais cette chanson car Patrick Bruel l’a chantée pour les 30 Ans. Je n’ai pas hâte d’écrire « Je découvre Patrick Bruel », un article dont Flavie Flament sera certainement la star, pour de mauvaises raisons. J’étais très surpris par cette représentation ; elle manquait d’énergie, et ce que j’ai dit de Zazie, c’était : « Elle a montré peut-être son plus grand talent sur scène, où elle avait vraiment le sens du spectacle. » Je blâme M. Sauvage, une créature de YouTube, peu importe s’il a remporté la Victoire de révélation de l’année.

L’émission a continué avec Gauvain Sers, Noé Preszow et Cali sur scène pour chanter « Marche à l’ombre » de Renaud. Très peu d’entre vous étaient ici quand j’ai publié sur Renaud après un cours avec l’Alliance française. Je ne suis pas fan de sa voix, trop râpeuse pour moi. Gauvain Sers était le chanteur préféré de mon amie regrettée Pascale. M. Preszow m’était inconnu. Cali reste une présence bienvenue sur scène. Je l’aime mieux sur Taratata qu’avec sa musique originale.

Puis Renaud lui-même est allé sur scène avec Hoshi, pour « En cloque », ce qu’il a enregistrée en 1983. Je veux être gentil envers Renaud, alors je dirai simplement que c’est Hoshi qui porte cette représentation. En 2010, Little Richard, star du rock des années 50, est apparu sur le plateau du concert national pour le 4 juillet aux États-Unis. Il est allé exactement comme ici, mais ce Taratata est évidemment un hommage à Renaud comme ce concert-là était pour Little Richard. Et je ne vais jamais me plaindre de tels hommages.

Après ça, Renaud a été rejoint par Claudio Capéo, aussi inconnu pour moi, pour « Dans mon HLM ». M. Capéo est assez dynamique, et je penserai à écrire sur lui. Quant à la chanson, Le Figaro en dit que : « Le beauf, tendance facho, en prend pour son grade. » Sans vouloir faire la polémique — car je vais échouer à cette tâche en bas — ce sentiment frappe différemment quand je pense au monsieur au lance-flammes de la semaine dernière qu’en 1980.

Après cette chanson, héros du blog Julien Clerc est arrivé sur scène, et plusieurs musiciens d’en haut sont revenus, pour chanter « Dès que le vent soufflera », du Renaud de 1989 (un peu tard pour 1984, non ?) :

C’était principalement à M. Clerc, avec le groupe pour les refrains, probablement le bon choix.

Le moment le plus Taratata a suivi cet effort. Si vous ne regardez rien d’autre, avancez le clip jusqu’à 17:50 (vous n’avez qu’au 17/10) pour le « cadeau » à Renaud. Toute la foule chante « Mistral gagnant » ensemble. C’est exactement le genre de moment haut en émotion dont Nagui est le maître, et Renaud était visiblement ému :

Je connais le nom Camélia Jordana, mais pas Ebony. Ces deux ont chanté « Like A Prayer », tube de Madonna de 1989. C’était competent, mais Taratata en anglais ne m’attire pas autant.

Je ne mentionne pas souvent Gilbert Montagné, mais il est toujours le bienvenu ici ; je le trouve très agréable. Il était là pour deux chansons avec Claudio Capéo, « Les sunlights des tropiques » et « On va s’aimer » :

J’étais bien surpris de voir M. Capéo lever M. Montagné pour danser sur le plateau, mais c’est un pro et rien de mal n’est arrivé. Tout de même, je n’aurais pas planifié ça.

Michael Jones, ancien associé de JJ Goldman, était là pour une chanson avec Michaël Gregorio, inconnu pour moi, « Je te donne ». Les deux valent la peine :

Je ne connais pas du tout M. Peter Kingsbery, mais il est apparemment aussi américain que moi. Son groupe Cock Robin a joué au Zénith pendant les années 80 selon Nagui. Mme Sila, avec lui, est un produit récent de The Voice, et aussi inconnue pour moi :

Louis Bertignac, anciennement de Téléphone, est venu sur scène avec Cali pour jouer « Cendrillon ». C’était assez bon, mais l’année dernière, j’aurais pu le voir à Los Angeles, et sans Cali, je ne me sens pas que j’ai raté grand chose.

Lio était là, d’abord avec Jenn Ayache de Superbus. Je connais Lio pour « La reine de pommes », ce que j’ai utilisé pour un clip sur Instagram pour montrer comment faire une tarte Tatin, ainsi qu’autre chose. Avec Mme Ayache, elle a chanté « Fallait pas commencer » de 1986. Lio de nos jours me rappelle un peu Catherine Ringer au même âge. C’est un compliment — la voix n’est peut-être pas aussi puissante qu’avant, mais son sens du spectacle reste superlatif :

Puis, Lio a été rejoint par M. Bilal Hassani, inconnu pour moi avant. M. Hassani s’est moqué des attentats de 2018 dans ce clip dont il prétendait après que c’était de la parodie, et ça après des propos pro-Hamas sur Twitter en 2014 qu’il nie avoir écrit sur son propre compte. Deux fois, c’est pas coïncidence et je ne m’intéresse pas à ses excuses. Je suis très déçu par ce choix de Nagui, une erreur de jugement, mais après l’affaire Julie Conti-Sophia Aram… je continue d’être fan de Nagui, mais inviter M. Hassani, c’est un choix.

Pour ce que ça vaut, la chanson des deux, c’était « Les brunes comptent pas pour des prunes », sans question le plus grand tube de Lio.

Vous ne l’entendrez jamais deux fois sur ce blog, mais je n’ai jamais été aussi ravi de voir M. Gaëtan Roussel sur scène de ma vie. « Plus près des étoiles » était à un groupe toulousain des années 80, Gold, inconnu pour moi. C’était pas mal.

Il nous reste une heure de cette émission, le sujet de demain. Je ne l’ai pas encore vue, alors pas de divulgâcheurs, s’il vous plaît !

Quand je vous ai parlé de mon dernier achat de la FNAC, Coucou Bonjour !, je n’ai pas mentionné qu’il y avait autre chose dans le colis. Il m’a fallu du temps pour tout écouter, car il y a presque 6 heures de musique sur les 5 disques de ce coffret, mais après 3 mois, j’ai enfin fini les 100 chansons de L’album de sa vie pour Eddy Mitchell (lien non-rémunéré vers la FNAC).

L’album de sa vie est en fait une série par Universal Music France ; il y a d’autres coffrets portant le même nom pour d’autres musiciens tels que Georges Brassens, Alain Bashung, Dalida, etc. Il y a souvent des versions plus courtes de 50 chansons et plus longues de 100, mais vu que l’on parle d’un type qui parle souvent de suivre « le chemin d’Eddy Mitchell » — j’entends parler qu’il y a un livre qui divise la France entre Eddy et Maïté — dois-je vraiment vous dire lequel j’ai acheté ? (Les 100, au cas où.) C’est la première fois où j’ai acheté un album de cette série — et à cause de DHL, la dernière — alors je ne peux pas faire la comparaison entre la qualité de ce coffret et les autres.

Ce que je peux vous dire pour commencer, c’est que le conditionnement, c’est de première classe. Voici la boîte :

Et le dos, avec sa liste de titres :

Il y a 5 disques, chacun dans sa propre housse en papier, ainsi qu’une brochure avec des notes de doublure. Malheureusement, cette dernière est juste la liste de crédits obligatoires pour les compositeurs et paroliers — un essai sur le contexte historique des contenus aurait été le bienvenu, même si les paroles étaient une attente irréaliste.

C’est souvent le cas que de telles collections sont remastérisées pour profiter d’avances dans les équipements, mais je ne pouvais rien trouver à cet égard. Ça dit, le niveau de bruits et de craquements ou clics est très bas dans les vieux enregistrements , même si certains ont toujours une qualité d’échos qui montre qu’il restait plus à savoir sur comment monter un studio.

L’ordre est juste chronologique par année de la sortie originale. Le Cimetière des éléphants, par exemple, apparaît sur le 3e et 5e disques, mais la première fois, c’est car on est en 1982, et la deuxième fois car Eddy a enregistré une reprise aux côtés de Véronique Sanson en 2018. (On y reviendra vers la fin.)

J’ai déjà beaucoup dit sur sa carrière pour le Projet 30 Ans de Taratata, alors ici je parlerai juste des pépites intéressantes que j’ai ratées la première fois.

Le premier disque traite largement de sa carrière des années 60, à commencer avec « Repose Beethoven » jusqu’à une version en live de « Be Bop A Lula ». C’est donc presque tout des reprises de musique américaine. Mais « L’épopée du rock », c’est original et puissant — Eddy ne manque de rien par rapport à « Twist and Shout » des Beatles, une bonne comparaison :

Je ne savais pas qu’en plus de « Eddy sois bon » (pas dans cette collection) il y avait aussi « Bye bye Johnny B. Good ». C’est trop de reprises de la même matière.

Le régal du deuxième disque est « Le parking maudit » de 1978. Si la musique rappelle une centaine de choses des années 60, c’est toujours à lui, et les paroles sont humoristiques, livrées avec un clin d’œil. J’adore :

« La Fille du motel » vaut aussi le coup, ainsi que « Pas de Boogie Woogie ». Il a tellement maîtrisé les formes américaines, mais ce sont à lui. Il a sa voix mature à ce point, et je la préfère fortement au premier disque.

Le troisième disque est peut-être mon préféré, même si « La dernière séance » est sur le deuxième. « Faut pas avoir le blues » est parfaite, une chanson qui aurait sa place dans n’importe quel bar à Chicago, la maison des blues :

« J’vous dérange ? » tire évidemment de l’inspiration de « Teddy Bear » d’Elvis, mais j’en ai profité énormément. « L’Idole chante au dessert » est purement un produit des années 80, et rappelle The Police, surtout « I’ll Be Watching You » avec la guitare. « Nashville ou Belleville » aurait pu être une chanson de Johnny Cash, une piste country avec une mélodie aussi simple que celle de « Folsom Prison Blues », mais avec des paroles émouvantes au maximum — j’ai pleuré à la fin. Si vous avez remarqué le point auquel je déteste Serge Gainsbourg, il sera très surprenant quand je vous dis que la piste que j’ai écoutée la plus à ce point est « Vieille Canaille », un duo avec les deux :

Le quatrième disque est presque aussi bon que le troisième. « Lèche-Botte Blues » est hilarante :

« Tell It Like It Is », un duo avec Aaron Neville, est vraiment au chanteur américain, mais Eddy tient bien sa place face à cette star. « Rio Grande » est à Eddy, et montre encore une fois qu’il est un maître du genre country. « J’aime pas les gens heureux » pourrait être mon générique avec 7 semaines restantes avant mon 50e. Cependant, j’étais amèrement déçu par « Ma Nouvelle-Orléans », en duo avec le pianiste de légende de cette ville, Dr. John. Enregistrée après l’ouragan Katrina, il fait des commentaires politiques à mon avis très mal placés. Je doute qu’Eddy sache qui étaient Mary Landrieu et Ray Nagin. Mais c’est ma seule plainte de ce genre au fil de 100 chansons.

Le dernier disque contient un meilleur hommage à la Nouvelle-Orléans, « Laisse le Bon Temps Rouler » :

« Les Vrais Héros » est la chanson parfaite pour notre époque de films de super-héros, un rappel qu’ils sont fictifs. Le disque se termine sur une série de duos avec d’autres stars telles que Véronique Sanson, Gregory Porter, Michel Jonasz et Christophe, tous tirés des deux albums dits La Même Tribu. Et c’est ça ma petite dernière plainte sur le coffret. Il n’y avait pas de problème de droits d’auteur avec ces deux albums, alors je ne sais pas comment la maison de disques aurait pu terminer ce coffret avec une chanson autre que « La Même Tribu », l’hommage ultime des plus grandes vedettes de la chanson française à Eddy. Elle n’est même pas sur le disque. Je trouve ça une erreur.

Pour le fan convaincu d’Eddy Mitchell, s’il n’a pas déjà une belle collection de ces chansons sur d’autres disques, ce coffret est un must. Mais même si on n’est pas aussi fan d’Eddy que ça — j’entends parler que ces gens existent — c’est une fenêtre ouverte sur toute la gamme de ses intérêts, qui sont impossibles à résumer en un ou même trois genres. Eddy Mitchell est un musicien par excellence, et si je n’aurai jamais l’opportunité de le voir en live, L’Album de Sa Vie est sans doute la deuxième meilleure option.

Il n’y a pas de question que ma chaîne préférée sur YouTube est celle de l’Institut national de l’audiovisuel, ou comme il est connu des internautes, INA. Je ne connais pas de meilleure ressource pour la culture générale française, et c’est lié ici trop de fois pour compter au fil des 6 dernières années. C’est grâce à eux que j’ai récemment découvert que l’un des tubes des années 70, une chanson si bien-aimée qu’elle se trouve à tout genre d’événement familial — les mariages, les quinceañeras (fêtes de 15 ans pour les filles mexicaines), même les bar-mitsva — est en fait un produit français. Je parle de « YMCA » du groupe Village People.

En ce qui suit, je suis largement le récit suivant d’INA, sauf que je corrige plusieurs malentendus dus à un manque de connaissance de la culture américaine :

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INA ouvre le récit en 1977 à Greenwich Village, un quartier new-yorkais qu’il appelle « le quartier gay ». Ce n’est pas faux, mais ça réduit « the Village », comme il est connu même en dehors de New York City, à seulement une partie de sa réputation. C’était aussi connu comme le quartier artistique, et surtout un lieu important dans l’histoire du jazz, grâce au club « The Village Gate » (lien en anglais). Le journal « The Village Voice » (lien en anglais) occupait une place dans la culture américaine pas si différent des Cahiers du cinéma en France.

Peu importe le choix de description du quartier, ce qui compte le plus, c’est la présence d’un expatrié français, Jacques Morali, âgé de 30 ans à l’époque. Il avait envie de créer un groupe de disco autour des stéréotypes américains, d’où les célèbres costumes des Village People — un marin, un ouvrier du bâtiment, un amérindien, et ainsi de suite.

Pour cette affaire, M. Morali avait l’aide d’un autre expatrié français, Henri Belolo, avec qui il avait déjà créé un groupe de disco féminin, The Ritchie Family. Mais ce dont ils avaient besoin, c’était un single et une voix, et c’était comme ça que les deux ont fini par recruter un chanteur américain, Victor Willis. Messrs Morali et Willis ont écrit la chanson ensemble, avec le premier comme compositeur et le dernier comme parolier — INA suggère que M. Belolo était aussi un auteur de la chanson, mais après un procès légal tenté par M. Willis, son nom a été enlevé des crédits. Ça dit, M. Belolo a certainement écrit d’autres tubes du groupe, tels que « Macho Man » et « In the Navy ». Voici le clip tel que tout le monde le connaît :

Dans une interview de 2018, dont INA montre un extrait, la chanson se décrit comme « inspirée des auberges de jeunesse américaines ». Cette description rendrait perplexe, entre autres, La Fille, qui a appris à nager à notre YMCA local. Il y a environ 800 établissements YMCA partout aux États-Unis, et celui de Greenwich Village était l’un de très peu qui offrait des logements — la grande majorité offrent des salles de sport, des piscines, des camps et des activités périscolaires. J’ai été perplexe à cause de ça pendant toute ma jeunesse, car j’assistais à quelques programmes de la YMCA sans jamais voir où on pouvait passer la nuit.

M. Belolo ajoute, et la narratrice d’INA est bien d’accord, que « nous avons contribué à démystifier l’homosexualité ». Ici aussi, l’histoire est plus compliquée que ça. C’était certainement le cas que Messrs Morali et Belolo, comme beaucoup de monde travaillant dans le genre de disco, faisaient partie de cette communauté. Mais le chanteur principal, M. Willis, trois fois marié à des femmes (pas en même temps), a dit en 2024 que :

« Comme j’ai dit de nombreuses fois au passé, c’était une fausse hypothèse à cause du fait que mon partenaire d’écriture était gay, et certains, mais pas tous, des Village People étaient gay et que le premier album avait traité de la vie homosexuelle. »

Reportage de CNN

Les paroles étant à M. Willis, il saurait mieux que n’importe qui ce qu’il voulait dire, mais c’est certainement le cas qu’une fois sortie, une chanson a sa propre vie. Et il faut ajouter que le titre de l’album où cette chanson est parue, c’était Cruisin’, un mot qui veut dire en même temps rouler sans destination et ce qui faisaient le baron de Charlus et le duc de Châtellerault.

Ce que l’on peut dire avec certitude, c’est que le groupe Village People existait uniquement à cause des efforts de deux expatriés français, et si cette musique ne fait pas partie de la chanson française, c’est certainement une histoire qui n’aurait pas eu lieu sans la France.

En 2020, une fois que j’avais découvert Indochine, j’ai posé la question à mon groupe de nostalgiques des années 80 : « Quoi d’autre devrais-je écouter ? » Parmi les noms les plus cités était Les Rita Mitsouko. J’ai donc écouté « Les Histoires d’A », et je dois vous dire la vérité : je ne l’aimais pas du tout et je l’ai mise de côté. On est juillet de cette année-là, je crois ; je me souviens pas de ce qui s’est passé, mais je doute que je puisse trouver le bon post sur Génération 80s.

Je ne me souviens pas d’exactement ce qui a changé, mais en novembre 2020, j’ai commandé The No Comprendo de la FNAC. Je ne sais pas pourquoi je ne l’ai pas mentionné ici à l’époque — le blog avait moins de deux semaines au moment de la livraison, et je n’ai pas publié de critique. Mais j’ai certainement communiqué mon enthousiasme aux anglophones sur Facebook :

Ça dit :

J’écoute le disque qui est arrivé hier, The No Comprendo par Les Rita Mitsouko. C’est de 1986. Dites-moi que ça n’aurait pas convenu PARFAITEMENT sur la MTV de l’époque. Catherine Ringer, la chanteuse, sonne comme Annie Lennox après des leçons de chant avec Johnny Rotten. L’album a été produit par Tony Visconti, qui vous connaissez de David Bowie et Paul McCartney. Tout ce que j’espérais.

Même ça n’arrive pas à capturer mon admiration pour cet album, ce que j’appelle souvent l’un des deux albums parfaits de ma connaissance, l’autre étant Moving Pictures de Rush. Oui, il n’y a même pas un album d’Indochine où j’adore toutes les chansons sans exceptions.

Un mois plus tard, j’ai vu Catherine Ringer sur Taratata pour la première fois. Je ne l’avais pas planifié — j’étais là parce qu’Indochine allait avoir une demi-heure juste pour eux-mêmes. Cependant, j’étais ravi de découvrir l’émission. Encore une fois, c’était toujours Facebook où j’ai exprimé ça :

Heureusement, même si cette performance ne marche pas toujours sur le site de Taratata (ça marche pour moi dans l’appli de Facebook, mais pas dans un navigateur), il nous reste l’enregistrement officiel sur YouTube de « C’est Comme Ça » sur le plateau de Taratata en février 2020. Elle l’avait toujours, même à ses 63 ans.

Bourré de ce que j’entendais, j’ai profité du Covid pour la voir deux fois de plus pendant les mois suivants :

Je dis souvent que 2020 n’était pas aussi mauvais pour moi que le reste du monde, et ça vous donne le goût de pourquoi, encore plus que les archives du blog. Tous les jours il y avait quelque chose de nouveau à découvrir, et Catherine Ringer faisait une grande partie de ça.

Au fil de 2021, j’ai commandé le reste des albums des Rita Mitsouko, d’abord Système D, puis les 4 autres d’un coup. « Y’a d’la haine » est devenue l’une de mes références préférées pendant les deux années suivantes (voilà et voilà). Si je dois avouer que je suis moins fan de Marc et Robert et Cool Frénésie que de leur autre travail, il faut aussi dire qu’avec Fred Chichin, Catherine Ringer n’a jamais cessé à prendre des risques.

Impossible de ne pas remarquer qu’elle n’a vraiment jamais guéri de cette perte. Il y avait beaucoup moins de nouveautés sous son propre nom après la mort de Fred, et elle chantait souvent sous le nom « Catherine Ringer chante Les Rita Mitsouko ». Quand j’ai visité le cimetière de Montmartre en 2021, j’ai dit du tombe : « On peut voir qu’il attend Catherine Ringer — ça m’a rendu triste. »

Il faut vraiment connaître l’œuvre des Rita Mitsouko pour comprendre la France moderne. Sans connaître « Andy », je n’aurais jamais compris ce gros-titre du Canard, même si j’étais choqué à l’époque :

Elle était le sujet de l’une des premières Langues de Molière, à cause de sa chanson « Rendez-vous avec moi-même » — en partie à cause des verbes réfléchis, mais en partie car dans cette chanson, elle évoque la prononciation de son nom de famille polonais. Ça nous amène à mon dernier point.

J’ai fait des recherches dans des journaux étrangers pour voir si sa mort était remarquée de même façon que Belmondo. La réponse était non — sauf dans un pays, Israël :

Dans cet article, j’ai appris qu’elle y avait de la famille et y avait donné un concert en 2019. Ça dit aussi qu’elle n’avait pas grandi dans la religion, mais ce n’est pas mon sujet. C’est plutôt que ses origines n’ont jamais été un obstacle à son succès en France, à son statut d’icône de la chanson française. Je vous ai dit récemment que c’est 1934 aux États-Unis, et la situation serait très différente si elle était morte ici, mais dans les commentaires sous tous les articles que j’ai lus hier, il n’y avait que des hommages et des souvenirs d’une grande artiste française.

C’est la France à son meilleur, et c’est comme ça que je me souviendrai de Catherine Ringer.

Peut-être que vous pensez la plus grande nombre de pistes dans ma collection de musique vient de Rush. Après tout, ils ont sorti 19 albums studio, et je les ai tous. Si pas ça, Indochine, non ? Mais non. En fait, ce n’est pas proche du tout. Il y a 211 pistes de Rush et 197 d’Indochine (sans compter les albums Singles Collection et le Central Tour). Cependant, si je compte uniquement les pistes du plus grand compositeur de bandes-sonores de jeux vidéo, Nobuo Uematsu, il y en a 775. Et si j’ajoutais les contributions de ses collègues chez Square Enix — Masashi Hamauzu, Mitsuto Suzuki, Noriyasu Agematsu et Naoshi Mizuta, il y en aurait 174 de plus.

Il faut d’abord dire que puisqu’il s’agit de bandes-sonores, beaucoup de ces pistes ont été composées pour servir des buts très particuliers. C’est peut-être injuste de compter les airs très brefs pour sauvegarder les progrès ou dire « jeu terminé ». Mais même s’il me valait la peine de faire le tri, je suis sûr qu’il resterait deux fois la quantité des autres.

Évidemment, il doit y avoir quelque chose de valeur, au moins à mes yeux, pour acheter tout cette musique, un projet qui a commencé en 1995, avec l’achat de 3 disques pour la BO du jeu Final Fantasy III (de nos jours connu comme VI — plusieurs jeux sortis au Japon n’ont pas été commercialisés en Amérique du Nord ni en Europe).

On pourrait dire, « Mais Justin, c’est un produit culturel, peut-être, mais ce n’est pas l’ongaku — désolé, la musique — que les Japonais écoutent eux-mêmes, non ? » Or, même si ça semble un peu ringard ([Plus qu’un peu. — M. Descarottes]), les compositeurs des BO pour les jeux et les animes sont des célébrités là, de façon impossible d’imaginer dans l’Ouest, sauf peut-être pour un John Williams ou un Vladimir Cosma. Il y a des concerts de cette musique au Japon, souvent joués par des orchestres de qualité.

Impossible de séparer la musique de Nobuo Uematsu des jeux Final Fantasy, mais il y a certaines choses que l’on peut dire qui ne comptent pas sur une connaissance de la série. Chaque nombre a lieu dans un monde différent (FF I se déroule dans un monde qui n’a rien à voir avec celui de FF II, etc. — mais tous les jeux dont le titre comprend « FF VII » se déroulent dans le même monde). Cependant, il y a certaines choses devenues traditionnelles au fil des 39 ans de la série, qui représentent un dialogue avec les fans.

Voici, par exemple « Le prélude », le générique du premier jeu. Malgré ses racines dans la NES, on reconnaît que c’est une série d’arpèges sur une harpe :

3 jeux plus tard, c’était toujours là, plus élaboré avec plus d’instruments :

Meme dans le neuvième volet, c’était toujours là — plus triste que jamais, un signe que ce jeu a marqué la fin d’une époque, et ne se dérouleraient plus dans des mondes médiévaux :

Après, les formes sont devenues différentes, mais c’est une signature aussi sûre qu’un blogueur qui écrit souvent « On continue maintenant le Tour… ».

L’esthétique appelée steampunk est fortement identifiée avec la culture japonaise, un mélange de haute technologie et de magie avec l’aspect de l’Europe du XIXe siècle. On le voit dans les navires volants dits « airships », à ne pas confondre avec les dirigeables, souvent appelés par ce mot en anglais. On parle de trucs comme ça :

M. Uematsu a créé de la musique bien digne de ces merveilles fictives :

Pendant des décennies, il n’y a eu rien auquel les fans s’attendaient plus que découvrir le prochain air que M. Uematsu avait écrit pour les scènes de combat. J’oserais dire que la plupart d’entre nous est d’accord que le nec plus ultra vient de Final Fantasy VII :

« Mais Justin », me dites-vous, « quel rapport avec la musique traditionnelle japonaise, avec les kotos et les shamisens ? » Ça s’y trouve aussi :

Mais Uematsu-sama (le terme pour indiquer le plus profond respect) serait le premier à vous dire que ce n’est pas la grandeur de Final Fantasy, ni de la musique des jeux vidéo japonais. Un maître tel que lui est confortable avec l’orgue, même au point de citer Bach, pour le thème d’un méchant :

Mais aussi d’écrire dans un mode cinématique pour mon moment préféré de toute la série, quand les magiciennes Grenat et Eiko invoquent la chimère gardienne Alexandre pour protéger leur ville du dragon Bahamut :

La musique de mon Japon n’est pas celle des restos japonais, ou des palais des shoguns. C’est celle qui permet l’auditeur d’échapper à tout autre monde, qui pourrait être n’importe où dans l’univers. Même, n’oublions pas, la France.